El irresistible encanto del Museo

Tres acontecimientos recientes sirven de marco para esta reflexión sobre el Museo: el vandalismo del graffitero Banksy colgando sus obras en los principales museos de New York, los desacuerdos en la muestra Desacuerdos en el MACBA de Barcelona y la compra de unos cuadros de Eduardo Arroyo al triple de su precio de mercado por el museo Reina Sofía de Madrid.

El irresistible encanto del Museo
Es habitual, entre la crítica cultural, cuestionar el papel y la función del Museo, desde esta crítica el museo se entiende como Mausoleo, como tumba que entierra definitivamente el sentido de cierta obra o práctica artística, o que certifica su defunción y la clasifica y enmarca para la historiografía que se encargará de desactivar cualquier tipo de potencia que la obra pueda tener… el cubo «blanco» que unifica y prepara para el consumo cualquier experiencia creativa, ya separada irremediablemente de la «vida».
Si bien estas son cuestiones que nos parecen indiscutibles por evidentes paradójicamente a ciertos agentes culturales, la fascinación por el Museo les seguirá subyugando, ya sea por un interés paródico (que no hace sino seguir reconociendo la importancia del museo) o bien por esa competitividad del mundo artístico en la busca del reconocimiento y la legitimación (¿qué será lo que tendrá la inmortalidad?).
Estos días hay un trio de acontecimientos relacionados con esta paradoja que me han llamado la atención, por un lado el asalto del graffitero/plantillero Bansky a los más importantes museos neoyorquinos, por otro la muestra «Desacuerdos» en el MACBA, presentada por los organizadores como una propuesta que «surge de la voluntad de erigir un contramodelo historiográfico que desborde el discurso académico«, muestra inaugurada con un cruce de sables por parte de la comunidad de la «poesía visual» por cuestiones tan baladíes o tan importantes como dilucidar donde se quedaron las cartelas de sus trabajos y por último la compra por parte del MNCARS de unos cuadros de Eduardo Arroyo, paradigma del quejica institucionalizado, a un precio exorbitante, fuera de cualquier lógica del mercado actual.
Tal como han recogido muchos medios informativos, el pasado 13 de marzo, el virtuoso británico de las plantillas y el spray, Banksy, colgó obras de su autoría en los museos Metropolitan, MOMA, Brooklyn e Historia Natural de NY sin permiso alguno, maniobra mediatica dónde las haya. Con barba postiza, una gabardina y un sombrero que le daban aspecto de inspector Closeau y armado con una obra de arte propia y pegamento extra fuerte, este artista británico (que prefiere que se le llame «vándalo de calidad») consiguió el 13 de marzo colgar sus pinturas en las paredes reservadas para los maestros. Algunas fueron retiradas el mismo día, pero otras –incluyendo la que colgó en el MoMA que parodiaba el trabajo de Warhol con una lata de tomate de descuento– aguantaron en exposición varios días. Esta «táctica» nos recuerda la que hace algunos años empleo «El Ruso» artista brut del pueblo de Ciempozuelos (Madrid) para colgar una obra suya (un enanito de Disney que velaba una ninfa dormida) en el Museo del Prado con una placa que rezaba: Siglo XX.
«Muchas veces me he paseado por galerías de arte pensando: ¬¥yo podía haber hecho eso¬¥. Así que parecía adecuado que lo intentara. Esas galerías son sólo armarios de trofeos para un puñado de millonarios. El público nunca tiene realmente nada que decir sobre el arte que ve», explicó Banksy por correo electrónico a The New York Times . El diario llevó a su portada la hazaña del graffitero que logró así de nuevo romper las barreras entre lo alternativo y lo mainstream .
Lo que para Banksy ha sido un éxito y una declaración sobre el estado del arte es también una muestra de los problemas de seguridad de las pinacotecas neoyorquinas, que según el graffitero tienen «sistemas de seguridad menos sofisticados» que las estaciones de los trenes. La moraleja, el chiste como se dice en Mexico, o el concepto si nos queremos poner interesantes, que manejaba Banksy, lo explicaba él mismo así:»Se acabaron los tiempos de conseguir fama por tu nombre solamente. El arte que sólo busca la fama nunca te hará famoso». Una manera sencilla de decir lo que Valcárcel Medina expresaba así: «¬Öel mundo del arte, no es precisamente el arte, sino un mundo que medra y prospera gracias al arte pero que no es el arte».En definitiva podemos hablar de la acción de Banksy como un pequeño gran ajuste de cuentas entre el street-art y la industria cultural.
Si pensamos en esta actitud tan despreocupada de mirar y criticar la función del museo como cancerbero de unos modelos muy concretos y poderosos de legitimar el trabajo artístico resulta curioso lo que está pasando con la muestra «Desacuerdos» en el MACBA, como decíamos se presenta como contramodelo historiográfico frente el discurso académico en el marco del estado español, esta muestra se ha desarrollado en dos etapas: primero un impecable trabajo de investigación sobre políticas culturales (que se puede consultar en la web Desacuerdos) y una segunda fase que sin ningún empacho ni precaución se ha dejado arrastrar por la maquinaria del museo. Por otro lado los «desacuerdos» no son tantos ¿quién puede negar la importancia en nuestro país de artistas como Pedro G. Romero, Valcárcel Medina, Rogelio López Cuenca, Fede Guzmán, Muntadas o Francesc Torres entre tantos otros que figuran en la exposición? En este punto, lejos de gustos personales, cualquiera con un mínimo de sentido común ha de reconocer que no son precisamente artistas «marginales» sino que han contado con una buena difusión (galerias, bienales, museos, talleres, etc¬Ö) y análisis críticos de su trabajo, cosas que sin lugar a dudas merecen. Aunque también hay que decir que en este viaje (que pinta como estrategia para erigir otro nuevo poder academico frente al tradicional de los Calvo Serraller, Bozal, Bonet y otras momias de nuestra cultura) se han reivindicado excelentes proyectos como el de Preiswert o Agustín Parejo School menos conocidos, pero también porque el carácter con el que se desarrollaron nada quería saber de los canales del arte establecido, y que en esta misma medida también se ha colocado algún que otro desequilibrado como es el caso del profesor Darío Corbeira, que hablando sobre un grupo en el que trabajó (La Familia Lavapiés) dice de si mismo cosas que inducen a la verg√ºenza ajena, sirva como ejemplo un botón: «A mí me tocó hacer de catalizador y líder del grupo. Mis estancias cortas en París, Ámsterdam y Alemania se habían disipado y miraba más a Pekín, Tirana y a los ojos de los padres del socialismo científico. Pero dentro de esa oscuridad, en otoño de 1974 vi la luz». Sin comentarios, debería hacérselo mirar¬Ö pero ¿qué se puede prescribir ante ansias de estrellato?.
Aunque hablando de estrellato lo más alucinante es lo que ha pasado con los «poetas visuales», quizás menos acostumbrados que los demás artistas a trabajar en los circuitos institucionales ya que sus trabajos suelen difundirse en fanzines de corta tirada o en páginas web, han mostrado con una fiereza inusual, quizás con grandes dosis de candidez e ingenuidad, sus ansias por «estar en el Museo», pero por eso mismo han sido terriblemente sinceros. De este modo, cavilando sobre la cuestión del «nombre» se pronunciaba en E-Barcelona.org uno de los poetas participantes, Agustín Calvo Galán:
«quienes visitéis el museo barcelonés podréis contemplar un pequeño mostrador de poesía visual española reciente, justo en el hall de entrada, antes de pasar por taquilla; poesía visual, eso sí, del tipo anónima, dentro de la exposición podréis encontrar de otros tipos. Todo empezó no hace tanto, ya me lo decían: las cosas hechas con prisas no salen nada bien. Además, muchos eran los llamados, hasta se hizo una convocatoria pública, y pocos fueron los elegidos, eso sí, elegidos para el anonimato. ¿Es el anonimato el destino de la Poesía Visual? Si así es, lo acepto, acepto integrar mi ego en el anonimato general de los creadores, en su denominador común, mayor orgullo no me cabría. Pero he aquí que el anonimato no lo cubre todo, hay cabezas que sobresalen, popes cuya dignidad nadie discute y a los que se les coloca un identificador al lado de sus obras; ellos pueden tener obra y lo que es aún mejor: nombre. Sin duda el arte contemporáneo ha dejado de ser específicamente arte, es decir, obra; se han dejado de crear obras para crear nombres. Hoy el arte son nombres únicamente, no nos llevemos a engaño, todos lo teníamos claro incluso antes de esta exposición.»
Finalmente el poeta Antonio Orihuela aclaraba el porqué del entuerto con la «poesía visiva»:
«… Ha habido demasiadas puñaladas traperas en toda esta historia y ahora mismo uno no sabe quien esta contigo y quien contra tí… También la falta de concenso, los nervios y las estampidas dentro de los mismos organizadores de DESACUERDOS ha malogrado muchos de los proyectos, como es el caso del que nos atañe… La historia es bastante larga pero intentaré resumirtela… DESACUERDOS, el proyecto marco, nació hace unos dos años, desde él se busco a investigadores que presentaran un informe sobre cada uno de los campos y a continuación montar exposiciones con estos materiales recopilados… en el caso que nos atañe, la poesía experimental, dos estudiosos, consecutivamente, presentaron sendos trabajos de investigación que la organización considero incompletos… el verano pasado se puso en contacto conmigo el responsable ejecutivo de toda la operación y me informó de este particular. Hasta ese momento yo no sabía ni que existía semejante proyecto. El caso es que se me informó de la preocupación que existía en la organización porque el tema de la poesía experimental a falta de menos de un año, no estaba para nada resuelto y querían que yo hiciera un nuevo estudio… me puse las pilas y el resultado es el que ya conoces pues está alojado en la pagina web de DESACUERDOS (lo tenéis como resumen (8 folios) y como documentación (112 folios)…
El proyecto les encantó y a partir de ese momento (septiembre/octubre del 2004) me convertí en el responsable de comisariar la parte de la exposición de DESACUERDOS que se encargaría de la poesía visual/experimental…
Pensando en la muestra y en ahorrar tiempo y dinero a la organización sugerí que los materiales poético experimentales de los años setenta se solicitaran a Fernando Millán y ahí comienza mi gran error…a partir de ese momento, noviembre/diciembre, mientras yo organizo cómo mostrar la documentación en función del texto que aparece en DESACUERDOS, comienza un bombardeo telefónico de Fernando Millán donde hay dos constantes:
-Nadie se acuerda de mi, yo que soy un histórico etc.
-Esa exposición del MACBA se hace bien o es mejor no hacerla, etc.
Como conozco a Millán y sus delirios de grandeza, y su vanidad, no le dí mayor importancia, sencillamente le consolaba y le decía que no se preocupara, que todo saldría bien, etc. La sorpresa viene cuando recibo un correo electrónico, rebotado, no del propio Millán, sino de un compañero de estas lides poéticas, donde aquel (MIllán) está pidiendo a la gente obra para una expo en el MACBA… llamé a los responsables, porque, en paralelo, yo estaba estudiando ya los planos del edificio donde iban a ir colocados los materiales de la expo y estos responsables se pusieron en contacto con el MACBA… desde el MACBA justifican la decisión por las presiones de Millán, según ellos Millán había dicho que comisariaba él o no había exposición y esto cedieron… detrás de todo también pudiera estar la compra o cesión de los fondos de Millán al MACBA si finalmente accedían a que fuera el quien comisariara, aunque esto no está confirmado y no deja de ser un rumor…
Desde la productora de DESACUERDOS se habló con Millán en un último intento de reconducir la historia hacia mi proyecto, pues por una cuestión de lógica primaria, era absurdo haber gastado dinero en un proyecto y después dar el comisariado a otra persona que va ignorar completamente ese proyecto, la conversación con Millán, por lo que me contaron, fue surrealista y después de varias broncas entre la productora y el MACBA, decidieron dejar que el Millán siguiera adelante con la historia… YO, PARA NO MALOGRAR LA HISTORIA DEFINITIVAMENTE, he guardado silencio todo este tiempo… Lo último que quería era montar una guerra en el mundillo de la poesía experimental entre partidarios de Millán y partidarios de Orihuela, GUARDÉ SILENCIO, porque creo que mala o peor sería bueno que de una vez por todas también las instituciones museísticas de prestigio contaran con nosotros… y la verdad, no quería dar la impresión de que eramos cuatro marujas pelando por unas bragas… con la maruja millán ya nos vale…
Esta es la historia sucinta, ya te digo, lo más triste es que Millán haya ENGAÑADO a toda la comunidad experimental hablando de cosas que no existían, QUE YO SAB√çA QUE NO EXIST√çAN Y POR TANTO ÉL TAMBIÉN ERA CONSCIENTE DE QUE NO EXIST√çAN, me refiero al prometido CATÁLOGO (algunos recordaréis que en una primera circular se prometia un catálogo aunque fuera en formato CD-rom), a mi en septiembre me dijeron que no habría semejante cosa, o EL PAGAR EL VIAJE A LA INAGURACIÓN A ALGUNOS POETAS EXPERIMENTALES, cosa que también era absolutamente falsa, pues no había dinero ni para simples invitaciones de cortesía… y, por último, miente también cuando hace responsable a la gente del MACBA del estado calamitoso de la muestra: EL TENDERETE LO HA MONTADO ÉL, sólo él, que nadie se lleve a engaño en esto… No culpen, compañeros experimentales al MACBA ni a su personal de lo que allí han visto, porque es Fernando Millán el que ha montado ese sarao.
Bueno, pues esto es todo… ahora que cada cual saque sus conclusiones.
Imagino que muchos no osarán pronunciarse, bien, como ya digo en mi trabajo, no es una actitud nueva en nuestro mundillo, por mi parte, quiero que todos sepan que he guardado silencio NO PORQUE TENGA MIEDO A MILLÁN, sino por el bien de la poesía visual/experimental la expo, mal o peor, ya no está montada y no tiene remedio… lo que tiene remedio es que no volvamos a cometer los mismos errores… será cuestión de elegir mejor, en el futuro, nuestros verdaderos compañeros de viaje.»
En resumen todas las buenas intenciones de cartografiar otra historia del arte español reciente se han puesto en entredicho por la cuestión de «figurar»¬Ö sintomático desde luego.
Y para terminar esta reflexión sobre el museo actual y como se sitúa el artista en este, me gustaría mencionar la compra a Eduardo Arroyo de dos cuadros por el Museo Reina Sofía. Arroyo, el mismo que pintó unos grandes murales sobre lona para ocultar el incendio del pabellón español de la EXPO 92 (bonito ejemplo de propaganda remunerada), es el protestón oficial del arte español, siempre quejándose pero nunca dejando de mamar de la teta estatal, así da gusto. Toda revista que se precie tendrá como portada una ilustración de Arroyo, pintor visceral, que asume este papel para arremeter con ignorancia ante cualquier tipo de arte que no le «cuadre» (si son cuadros, le «cuadra» más), da la imagen de integridad necesaria para aguantar en la entrevista televisiva de turno, pero luego resulta que el estado le compra los cuadros al triple de su precio en el mercado. Esto en mi pueblo es supuesta malversación de fondos públicos (en mi pueblo son muy brutos, todo hay que decirlo).
La relación artista-museo siempre será complicada, pero mientras unos se dan sablazos por su legitimación y otros estrujan la teta pública sin pudor, algunos se molestan por poner el dedo en la llaga lúdicamente como Banksy o lúcidamente como Antoni Mercader (uno de los «recuperados» por Desacuerdos) señalando que: «El museo, como agente comunicador que es, debe abrirse a las propuestas de mutación, de conversión sustancial, de estudio y análisis, informarlas y exponerlas. Es de esperar que potencie la lectura crítica de lo contrahegemónico. Está claro que los museos de arte contemporáneo no están preparados, la mayor parte son arquitectura selecta, ni siquiera han asumido los estatutos del ICOM (código de deontología de para los museos, modificado en 2001 en la asamblea general de Barcelona, que se puede consultar on-line) que hablan del estudio, educación y goce de lo tangible y lo intangible».